domingo, 28 de mayo de 2017

El discurso de la obra de arte y el discurso sobre la obra de arte

El semiólogo italiano Emilio Garroni, en su libro de 1972, Proyecto de semiótica, entre los muchos temas que aborda, hace un comentario sobre la distincuión que parece obvia entre el discurso de la obra de arte y el discurso sobre la obra de arte. Es decir, lo que la obra de arte dice, y lo que se dice sobre la obra de arte, desde el punto de vista semiótico. Formalmente es clara la diferencia, porque el discurso de la obra de arte tiene que ver con el contenido que esta incorpora, sea cual sea la forma expresiva: pintura, música, literatura, arquitectura, escultura, fotografía, poesía, arte digital. En cambio, cuando un experto, un crítico o cualquier espectador comenta sobre esa obra, usa una forma diferente de expresión, que tiene que ver con el análisis o la descripción de los percibido.

Desde el punto de vista semiótico, es decir, la construcción del discurso, sus signos y contenidos, un obra artística puede ser observada de muy variadas m,aneras. Más aún, cada expesión puede generar una forma de discurso diferente: visual, auditivo, mental, táctil, multisensorial. El perceptor entiende lo que al autor ha querido plasmar, y va a depender de la creación, el cómo es entendida. Más aún, el autor puede explicar lo que ha querido decir, y entonces genera una combinación de ambas visiones: tanto el discurso de la obra de arte (su contenido) y el discurso sobre la obra de arte (lo que es comentado); entendiendo "discurso" como el enunciado o conjunto de enunciados con que se expresa, de forma escrita u oral, un pensamiento, razonamiento, sentimiento u opinión. 

Por otro lado, los críticos o comentaristas tratan de desentrañar el sentido de las obras de arte, pero a su vez hacen un análisis "desde afuera", estudiando sus elementos, componenetes, partes estéticas, estilo y calidad relativa. Analiza lo que hace el creador desde el aspecto de su producción. Dice Garroni: "El crítico problematiza las opciones del productor, es decir, que en cierto modo se mueve en el mismo plano que el productor, cuyas opciones (...) suponen una problematización semiótioca análoga" (p.321). El crítico verbaliza las percepciones de la obra, y lleva las propuestas del autor a un plano semiótico analítico. Este discurso intenta analizar motivaciones y manifestaciones en un ángulo distinto al del propio productor.

Finalmente Garroni señala la dificultad que existe en ese la objetividad de ese discurso crítico, pues no es fácil mantener una imparcialidad perceptiva sobre una imparcialidad productiva. El artista tiene una intención, un lenguaje y un estilo, que puede ser enfocado de muy diferente forma por quien percibe la obra. Esa es una de las dificultades a las que se enfrenta el discurso del creador: ser mal interpretado. Pero es también parte del mensaje semiótico implícito en toda producción, entender las razones por las cuales se crea. Esto desde que el arte es arte.

sábado, 27 de mayo de 2017

Lo dijo Simón Rodríguez

"Al que no sabe, cualquiera lo engaña. Al que no tiene, cualquiera lo compra".

Simón Narciso de Jesús Carreño Rodríguez, de seudónimo Samuel Robinson (1769-1854), educador y patriota venezolano, maestro de Simón Bolívar, escritor, ensayista y filósofo, propulsor de un nuevo modelo de enseñanzan para América.

viernes, 26 de mayo de 2017

Visión de Heidegger sobre la comunicación

Martin Heidegger (1889-1976), reconocido filósofo y profesor alemán, polémico e innovador, abordó el tema de la comunicación como parte de sus planteamientos generales sobre el ser y la sociedad que le incluye. En uno de sus más importantes libros, Ser y Tiempo, de 1927, una de las cosas que argumenta, para sustentar sus ideas de "ser abierto" (el hombre es el ente abierto al ser, pues sólo a él «le va» su propio ser, es decir, mantiene una explícita relación de co-pertenencia con él mismo), apela al hecho comunicacional.

Para Heidegger la comunicación no tiene que ver con el transporte de opiniones o vivencias de un ser a otro, sino con la forma como se establecen relaciones de articulación interpretativa entre las personas. No es simplemente transmitir información sino escuchar y entender la "alteridad" de los otros. La comunicación tiene que ver, entonces, con la construcción de relaciones. Partiendo de que él pensaba que la vida debía ser entendida desde sí misma, y que el vivir había de ser experimentado como un acontecimiento que ni está fijado ni es objetivable, la comunicación humana nos "arroja" al mundo junto con las demás personas. El ser humano es lingüístico y social. Desde esa postura, el concepto moderno de "yo" no podía ser, como señalaban muchos filósofos de la primera modernidad, algo absoluto, sino esencialmente histórico. Por esto, comunicarse es un hecho que va más allá de la interconexión. El tema de la precisión en la información no es relevante, sino la autenticidad como se construyen las relaciones.

La charla de la multitud y la omnipresencia mediática, amenazan con ahogar la voz individual, la voz de la conciencia, por lo que se pone en peligro la consolidación del ser. Así, el concepto de comunicación de Heidegger resulta ser, ni semántico, ni pragmático. La comunicación contribuye con la estructura de "ser-en-el-mundo" que él propugna, y quiere significar que no hay un "yo" separado del mundo, que ya no rige la disociación cartesiana entre mente y materia, sino la dualidad sujeto-objeto característica del modernismo; y que el hombre es promordialmente un "ser-con-otros", que vive y es vivido por los otros. Y la comunicación conforma una parte de esa relación. 

Las posiciones de Heidegger son bastante complejas, sin duda, y esta aproximación a su idea del "ser-ahí" (el "yo"no es pura conciencia, ni algo dado en el presente; es, por el contrario, un acontecer que se va desplegando entre el nacimiento y la muerte), se refleja en este punto, donde la comunicación es la revelación del ser a sí mismo a través de los lenguajes. Finalmente, donde más se refeja esto es en el campo político, aspecto al que el filósofo alemán dedica también gran parte de su obra. 

jueves, 25 de mayo de 2017

Una frase de Voltaire sobre el fanatismo

"El fanatismo es a la superstición, lo que el delirio es a la fiebre, lo que la rabia es a la cólera. El que tiene éxtasis, visiones, el que toma los sueños por realidades y sus imaginaciones por profecías, es un fanático novicio de grandes esperanzas; y podrá pronto llegar a matar por el amor de Dios".

Francoise-Marie Arouet, conocido como Voltaire (1694-1778), filósofo francés.

Un reflejo de lo que hemos visto tantas veces en los últimos tiempos, a pesar de que esto fue escrito hace ya más de 200 años, y se cumple desde hace milenios.

miércoles, 24 de mayo de 2017

El arte y la poesía multimedia de Takagi Masakatsu

El japonés Takagi Masakatsu (nacido en 1979), es un videocreador y músico cuyo trabajo es muy amplio en lo que a estética se refiere. Ha presentado instalaciones de video y exhibido performances en directo, en distintos espacios artísticos de todo el mundo. También produce videos musicales así como música para anuncios publicitarios y películas. 

Sus obras muestran imágenes captadas y manipuladas, cuyas videopinturas muestran secuencias filmadas en video digital transformadas en imágenes abstractas. A través de estas secuencias de imágenes crea una explosión de colores que captura al espectador. Es uno de los artistas fundamentales de este siglo, según la revista RES Magazine, en una selección de los 10 creadores emergentes más destacados en los últimos años. Se estima que su obra marca e influye en el mundo del cine, del video, del diseño, la publicidad, la música y el arte multimedia.

Trabaja con técnicas gráficas por computadora, y sus secuencias no llevan guión previo. Las poéticas creaciones de Masakatsu no establecen fronteras entre disciplinas artísticas, dado que usa diferentes interfaces para concretar sus obras. Su fuerte es la música y el video, pero lleva años presentando distintas construcciones audiovisuales que le dan una identidad propia. En su sitio Web está un catálogo y cronograma de sus producciones. Aquí algunos videos de imágenes de muestra.

http://www.takagimasakatsu.com/






Gracias a Blancaheymar Venegas por sus datos sobre Tagaki Masakatu

martes, 23 de mayo de 2017

La máquina supercomputadora más grande del mundo hoy

The Machine, es una supercomputadora construida recientemente por la empresa Hewlett Packard, cen Estados Unidos, con la memoria más potente del mundo, que es capaz de "leer" 160 millones de libros de una vez. "La Máquina," es la computadora con la memoria única más grande de La Tierra, según el gigante tecnológico HP, y es su proyecto de investigación más importante y más ambicioso actualmente.

La nueva máquina tiene 160 terabytes (TB) de memoria y ha sido diseñada para trabajar con Big Data (grandes conjuntos de datos). El experto en Big Data Martin Hilbert, ha dicho: "La democracia no está preparada para la era digital y está siendo destruida", esto porque la información disponible es enorme pero puede manejarla poca gente. The Machine es un monstruo de la informática capaz de analizar el equivalente a 160 millones del libros al mismo tiempo, asegura HP.

El aparato está basado en el sistema operativo Linux y prioriza la memorización al procesamiento de datos, lo que según HP, allana el camino para crear dispositivos con memoria casi ilimitada. "Los secretos para el gran avance científico, la innovación que cambia la industria o la tecnología que altera la vida se esconden a simple vista detrás de las montañas de datos que creamos todos los días", dijo Meg Whitman, presidenta y directora ejecutiva de HP.

Según una de las fuentes de esta información, el portal de noticias BBC Mundo, lo que hace especial a esta supercomputadora es, precisamente, su capacidad en el manejo de Big Data, de manera rápida y simultánea. Los datos hoy día crecen más rápidamente que nuestra capacidad para computarizarlos, por lo que su enorme capacidad de procesamiento permitirá mejorar en su capacidad de aprendizaje en tiempo real, analizando datos y obteniendo resultados instantáneos. Sin embargo, no es sólo un tema de velocidad sino de efectividad, que es donde esta nueva máquina debe mostrar sus capacidades. Hay hacer eficaz el procesamiento, no sólo acelerarlo, y también hacerlo más detallado y relevante para las necesidades especializadas. Recordemos que hay muchas áreas en la vida en las que ser rápido no significar ser mejor. Esta podría ser una de ellas.



lunes, 22 de mayo de 2017

Estética y censura

Dentro del tema del arte, la estética, la ética y la moralidad, debe incluirse un asunto siempre polémico: el de la censura. La censura, además vista desde varios aspectos: el moral, el ético, el cultural y el artístico. Es muy difícil decidir cuando una obra es inmoral, o cuando debe ser censurada. La forma estética de abordar el arte puede no ser compatible con ciertos puntos de vista, en tanto hay otras críticas que pueden hacerse desde visiones no éticas o moralistas.

La política, la religión, las ideologías, ejercen formas de censura. En el caso de la comunicación esto es conocido y evidente. En el arte es más sutil, aunque no menos discutible. Admitiendo que ciertas obras de arte producen efectos morales, cabe preguntarse: ¿merecen ponderarse por ello, o censurarse por ser contrarias a los valores aceptados por ciertas culturas? ¿Deben ser eliminadas? ¿Puede un grupo de personas arrogarse el derecho a juzgar a otros grupos y decirles qué pueden o no hacer o expresar? Pareciera que no. 

Puede igualmente cuestionarse: ¿con qué derecho actúan los censores? Son tan limitados y falibles como los censurados, y nada garantiza que sean guardianes mejores que aquellos a quienes se supone quieren proteger. ¿Mejora realmente la estatura moral de los ciudadanos, cuando se les impide a los demás elegir o decidir qué ver, leer, oír o tener? La libertad de enfrentarse a ideas y propuestas de todo tipo, es parte de la misma libertad que debe regir a las sociedades, dentro de los lógicos parámetros que ésta establezca. Últimadamente, la aplicación de una censura termina perjudicando a todos, inlcuyendo a los mismos censores, porque al final seguramente tampoco van a lograr su objetivo: lo censurado terminará aflorando y conociéndose.

Si duda es un asunto delicado y complejo, pero que no puede ser abordado desde las preconcepciones y los moralismos. La historia lo ha demostrado.
           

domingo, 21 de mayo de 2017

Caracolas y féminas

El artista argentino Roque Logozzo, que se especializa en pinturas y dibujo artístico, con técnicas tanto tradicionales como digitales, ha hecho trabajos en programas informátcos como Flash, Adobe, After efects, y animaciones con 3D Studio y Cinema 4D. Tiene una serie de imágenes que realizó en 2013, con el tema de caracoles y mujeres, que resulta interesante por el manejo del desnudo y una técnica que recuerda acuarela, pero en computador. Aquí muestro algunas de esas imágenes, que pueden verse también en su sitio web, junto con algunas de sus otras obras visuales.

http://roquelogozzo.blogspot.com/







sábado, 20 de mayo de 2017

Arte y moralidad (y 3)

Sobre este tema de la relación entre el arte y la moralidad, pueden diferenciarse claramente tres posturas, aunque hay variantes sobre ellas. Señalaré brevemente las posiciones históricas y filosóficas respecto a la estética y la ética. 

Una es la concepción moralista del arte, que se remonta a los griegos (Platón en La República habla de la ética que debe tener el artista) y que muchos pensadores y filósofos de todas las épocas defienden. Las artes deben reflejar las normas, los ideales, las buenas maneras o costumbres y la bondad en general. Todo arte no moral no es bueno. Es la postura "eticista" en contraposición a la "esteticista".

Esta segunda concepción, también asomada por algunos pensadores clásicos pero de más aceptación en los últimos tiempos, señala que la experiencia artística es un objetivo supremo en la vida. Así, el hecho moral pasa a un segundo plano, sin que deje de estar presente, pero puede darse el caso en que no haya alusión alguna a ninguna verdad o ética. Tal podría se el caso de las obras de arte abstractas, o la música dodecafónica. Lo bello no está reñido con lo bueno, mas no son interdependientes, según esta posición esteticista.

La tercera posición es la que podemos llamar "interaccionista", que conjuga cosas de ambas posturas. Según esta concepción, los valores estéticos y morales tienen distintas funciones y manifestaciones en el mundo, pero no actúan independiente unos de otros, sino que se relacionan sinnque ello implique que uno domine por sobre otro. El arte puede enseñar, por ejemplo, sin que esa tenga que ser necesariamente su objetivo. Para que una obra artística produzca efectos morales, no es necesario que nos presente un sistema de moralidad. Señala John Hospers que la fuerza moral puede venir de lo que se representa, de los personajes, de las condiciones e incluso de los sentimientos: "En el arte podemos contemplar situaciones, con un desprendimiento que raras veces conseguimos en la vida real". 

La discusión que gira en torno a la moralidad, la ética, la estética, la belleza y el arte, está lejos de concluir, pero esa misma diversidad de opiniones, muestra el valor que como expresión tienen todas esas manifestaciones culturales y artísticas que llenan la vida de la humanidad.



viernes, 19 de mayo de 2017

Arte y moralidad (2)

El tema del arte, la estética y la ética y sus relaciones, no solo tiene siglos de discusión, sino también puntos de vista diversos y a veces poco reconciliables. Las mismas definiciones de "arte" y "moralidad" están siempre teñidas de polémica. ¿Es el arte una expresión de sentimientos? ¿En cualquier medio? La concepción sensible del arte afirma que éste es una exploración de la realidad a través de una presentación sensitiva. Ahora bien, ¿es el sentimiento lo expresado? ¿Es esa expresión o ese sentimiento, bueno? 

Otros teóricos opinan que el arte es una re-creación de la realidad, bien sea física o mental, plasmada en alguna forma perceptible. En este caso, es difícil entender la música como arte, puesto que es una realidad inexistente. John Carey, hacia el otro extremo, dice que arte es todo aquello que alguien que se dice artista, llama arte. Por lo tanto, el arte puede abarcar cualquier cosa. En este caso, la relación arte, belleza, verdad y moral, se hace menos evidente. 

Para León Tolstoi, el arte es la criada de la moralidad, que la cuida y promueve. El asunto es ver de qué tipo de moralidad se está hablando. ¿Qué es la moralidad y lo moral? Es el mismo problema que hay cuando se habla de estética y la ética: ¿es bello algo que no es ético? ¿Qué es ética, qué es ético? En todo caso, según John Hospers hay tres formas de ver esa relación ética-estética desde el punto de vista de la moralidad y lo artístico, mismas que explicaré en la próxima publicación.